Cultura LIJ agosto 2017 por Maguma

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¿Quién es Maguma?

Arquitecto de formación y dibujante por pasión, empezó trabajando como ilustrador para el periódico El País. Su trabajo ha sido publicado en diversos medios, como Forbes, Inside Housing, Reader’s Digest, El malpensante, El Español, Yorokobu.

Actualmente además de su trabajo en prensa es un autor reconocido de libros ilustrados para niños y adultos.Y sus libros se encuentran en las editoriales Milrazones, Amanuta, Tara Books, y en breve sale uno nuevo por Fondo de Cultura Económica.

El reconocimiento por su talento no ha tardado en llegar. En 2014 fue seleccionado para formar parte del V Catálogo Iberoamericano de la Ilustración, en 2016 fue uno de los ganadores del premio Latin American Illustrration 5, y recientemente recibió una mención en el VIII Catálogo Iberoamérica Ilustra.

Libros

 

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La pobre viejecita

Con humor, con ironía, Maguma toma el poema de Rafael Pombo para mostrar dos imágenes enfrentadas de la vejez. Y en ese juego aparece un pedazo del alma humana, contrastando la riqueza y abundancia material de la viejecita con su pobreza espiritual y moral. Las ilustraciones, a través de un juego de simetría, resaltan el inconformismo y la codicia. Pubicado por Amanuta.

En 2016 recibió la Medalla Colibrí al mejor ilustrador por este libro.

 

El sueño de Pandora

¿En qué animal me convertí anoche?
El sueño de Pandora es un libro-rompecabezas con el que descubrirás las metamorfosis de Pandora. También es un álbum ilustrado digital. Consiguió una Mención Especial en el “IV Premio Internacional de Compostela”, promovido por Kalandraka.

Cada pulpo con su pulpa

De este libro no se puede hablar, hay que verlo, tocarlo, rearmarlo. Cada animal se va convirtiendo en otro en un espiral que no termina, en un sentido que se reescribe en cada nueva página desplegada.

 

God of Money

Libro producido para Tara Books, que llegará a Latinaomérica de la mano de Zorro Rojo en septiembre de 2017. Recomendamos leer el artículo con el que su creador cuenta el proceso de creación, en esta misma edición de Cultura LIJ.

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Convocatoria: Premio internacional a los libros ilustrados publicados en 2016

Hasta el 1 de septiembre se encuentra abierta la convocatoria para presentar obras ilustradas publicadas en 2016 al Chen Bochui International Children’s Literature Best Picture Book Award.

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Hasta el 1 de septiembre se encuentra abierta la convocatoria para presentar obras ilustradas publicadas en 2016 al Chen Bochui International Children’s Literature Best Picture Book Award.

Premio al Mejor Libro para Niños Ilustrado
“Chen Bochui” 2017

Recepción de obras hasta el 30 de septiembre de 2017
Participan: obras publicadas entre 1/1/2016 y 1/9/2017

Ver el catálogo de ganadores anteriores.

Regulaciones

Criterios de adjudicación

El texto y las imágenes de los libros ingresados deben ser creativos y consonantes uno con el otro, con valor tanto literario como artístico, perfecta armonía entre contenido y forma, y un agradable efecto visual global; que proporcionen así un fuerte estímulo para el pensamiento y la imaginación. El contenido y la forma deben ser adecuados para los lectores de 0 a 16 años.

Participantes

La entrada al premio Chen Bochui Picture Book del Año está abierta a todas las compañías editoriales alrededor del mundo. Autores e ilustradores de libros ilustrados para niños también pueden enviar sus creaciones directamente siempre que se les haya asignado un ISBN y hayan sido publicados.

Requisitos de elegibilidad

  • Todas las inscripciones deben ser ediciones originales de libros infantiles publicados e impresos por primera vez no antes del 1 de enero de 2016 (como se indica en la página de legales del libro).
  • Cualquier obra que se encuentre copiada o en violación de los derechos de autor de un tercero será descalificada y el participante será legalmente responsable.
  • Los postulantes al premio al Mejor Libro del Año de Chen Bochui pueden presentar hasta 5 diferentes títulos originales. Si presenta una serie de libros, los participantes seleccionarán un libro reputado representativo de la serie.

Cómo ingresar un libro al certamen

PASO 1: Los formularios de inscripción se pueden descargar del sitio de los organizadores o bien ChenBochui_ApplicationForm2017.
Una vez completos, los mismos deben enviarse por correo electrónico a la siguiente dirección: 1564190223@qq.com hasta el 30 de septiembre de 2017.
Se requiere un formulario de inscripción para cada título presentado (máx. 5).

PASO 2: Los formularios de inscripción deben imprimirse en papel y enviarse junto con tres muestras de cada libro ingresado, a la siguiente dirección de correo:

2017 Chen Bochui Premio Internacional de Literatura Infantil (Sala 401)
SHANGHAI PRESS AND PUBLICATIONS ADMINISTRATION
5, Shaoxing Road 200020 Shanghai,
China

NOTA: Todo el material impreso y los libros de muestra deben enviarse a más tardar el 30 septiembre de 2017 (se tomará como prueba el matasellos postal).

Varios

  • No se devolverán los libros de muestra enviados.
  • El Comité Organizador de la Feria Internacional del Libro de Niños de China Shanghai tiene derecho de utilizar el contenido e imágenes de las obras presentadas para promover los premios y las actividades no comerciales conexas a la Feria Internacional del Libro Infantil.
  • El Consejo Internacional de la Literatura Infantil de Chen Bochui se reserva el derecho de interpretación final de estas regulaciones.

Para más información sobre el premio o su procedimiento de inscripción escribir en inglés a: chenbochui.help@outlook.com

 

Ganadores del Iberoamérica ilustra

La mexicana Amanda Mijangos gana el VIII Catálogo Iberoamérica Ilustra. El jurado entregó 5 menciones importantes. En total 45 ilustradores fueron seleccionados para el catálogo. Aquí el listado completo.

La mexicana Amanda Mijangos gana el VIII Catálogo Iberoamérica Ilustra. El jurado entregó 5 menciones importantes. En total 45 ilustradores fueron seleccionados para el catálogo.

De entre el trabajo de 673 ilustradores el jurado del concurso Iberoamérica ilustra seleccionó la obra de la mexicana Amanda Mijangos por:

“por la frescura de su obra, la sensación de sorpresa, movimiento y vitalidad; por su acertado manejo del color y la capacidad de evocación de su lenguaje gráfico, así como por el valor poético y simbólico de sus ilustraciones”

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Menciones especiales a los ilustradores

Natalia Colombo, de Argentina.

Guillermo Decurgez (Decur), de Argentina.

Marcos Guardiola , de España

Bea Lozano http://cargocollective.com/BeaLozano , de España;

Sol Undurraga, de Chile.

El VIII Catálogo Iberoamérica Ilustra contendrá la obra de un total de 44 artistas. Y se llevará a cabo una exposición itinerante que se inaugura en la FIL 2017. Ver más en http://iberoamericailustra.com/

Amanda Mijangos es Egresada de la Facultad de Arquitectura y del Diplomado en Ilustración de la Academia de San Carlos, en la UNAM. Su trabajo ha sido expuesto en México, Colombia, Argentina e Inglaterra, así como en distintas editoriales y revistas. Enterada del premio ganado expresó que en su trabajo siempre busca establecer una relación con los lectores.

El jurado estuvo conformado por Claudia Rueda y Diana Arias, de Colombia; Gerardo Suzán, de México; Leonardo Marcus, de Estados Unidos; y Teresa Tellechea; de España. Cuatro criterios se tomaron en cuenta: la claridad del concepto en las obras, la calidad narrativa, la originalidad de la propuesta y la solvencia técnica.

Listado de ilustradores seleccionados: Matías Acosta Cattólica (Uruguay), Mariana Alcántara Pedraza (México), Kim Amate López (España), Mónica Steffi Andino Zelaya (Honduras), Anna Aparicio Catalá (España), Diana Benzecry Paroni (Argentina), Mónica Bonet Lluís (España), Gabriela Burin Di Tullio (Argentina), Joaquín Campllonch De San Vito (Argentina), Miguel Casado Freire (España), Juliana Castelo De Freitas (Brasil), Caro Celis Baltra (Chile), Paloma Corral Fuentes (España), Maya Corredor Romero (Colombia), Rodrigo Mafra Curruíra Lemão (Brasil), Inés De Antuñano Riveroll (México), María José De Telleria Acuña (Argentina), Carlos Manuel Díaz Consuegra (Colombia), Víctor Manuel Félix Morales (México), Ester García Cortes (España), Nanen García-Contreras Martínez (España), Lisbel Gavara Monfort (España), Isabel Gómez Guízar (México), Kike Ibáñez (España), Miguel Manich Lahoz (España), Juan Camilo Mayorga Olmos (Colombia), María Elina Méndez Fusco (Argentina), Estelí Meza Urbieta (México), Juan David Quintero Arenas (Colombia), Susana Rosique Díaz (España), Sergio Sánchez Santamaría (México), Estefanía Santos Gallegos (Ecuador), Emilia Schettino Bustamante (México), Josep Torres Balasch (España), Mauricio Torres Rivera (México),Marco Tóxico (Bolivia), Gabriela Veloso Amorim (Brasil) y Carolina Zambrano Enríquez (Argentina).

 

 

 

Laura Varsky y el camino de la vocación

El mundo Varsky tiene su propia paleta de colores y de sonidos. Acá una puerta de acceso.

Por Valeria Sorín

El mundo Varsky tiene su propia paleta de colores y de sonidos. Acá una puerta de acceso.

 

Si a este artículo pudiera ponerle banda de sonido, sería “Je veux” de la cantante francesa Zas. Es el deseo, pero sobre todo es el desear ser/hacer permanente lo que caracteriza a una artista siempre cambiante, siempre inquieta, siempre en ebullición creativa.

Probemos otro comienzo para esta nota. Caminamos por el sitio web de Laura Varsky y leemos:

Varsky_quilombo encuadreEl movimiento del agua, unas rejas antiguas, mi gata durmiendo, cualquier gato jugando, la Bodoni, un hilo descosiéndose, las baldosas de una galería, un azaroso close up sobre un Van Gogh, la primera página de un libro viejo, un bosque en otoño, una mancha de tinta desafortunada…
Esas cosas que me motivan
“.

Y la banda de sonidos debería incluir el tema My favorite things, ya sea entonado por la novicia Julie Andrews o en la versión instrumental de John Coltrane.

 

Varsky_grammyApuntes para una biografía de Varsky

  • En su adolescencia decidió ser diseñadora gráfica para poder crear tapas de discos. Y lo hizo. Los premios Grammy y Gardel ganados por su arte dicen que lo hace muy bien.
  • Al desarrollo creativo de las carátulas escolares le puso estudio y creó dos tipografías (Lady Dodó y Lady René).
  • Unos años después de recibirse se topó con el mundo de la ilustración.
    Y se zambulló de lleno en él.
  • Sus libros suelen agotarse en el stand de la Feria del Libro de Buenos Aires que los exhiba.
  • Se casó con otro ilustrador, Christian Montenegro, y juntos tienen dos hijos.
  • Vive en el mismo barrio, en la misma casa donde creció. Y como tantos artistas, ha sabido trazar líneas imaginarias por las que salir de Ramos Mejía al mundo, sin necesidad de anclar en Buenos Aires.

 

Textuales sobre la vocación

De chica iba a contraturno a la Escuela de Estética, acá en Ramos. Y para mí era como un juego. Me acuerdo mucho de los ejercicios que nos hacían hacer. Tanto de dibujo como de escritura. Me encantaba escribir, más que dibujar”.

“Lo glorioso es poder hacer de eso algo de tu hacer cotidiano. Por ahí la entrada viene por otro lado. En mi casa no había mandato más que laburar, hacerte cargo de vos mismo, ser responsable”.

La identidad hecha trazos

–El diseñador siempre trabaja con otros. A usted se la ve todo el tiempo trabajando en equipo con otros profesionales.
–A mí lo que me gusta de diseñar es justamente lo interdisciplinario. Trabajar con ilustradores, con fotógrafos. Cuando comencé a trabajar como ilustradora, me faltaba eso. Por eso busco proyectos donde pueda darse lo asociativo. Me parece más enriquecedor.
Incluso los talleres que hago tienen que ver con esto de generar comunidad. Por eso también lo de La Noche de los Dibujantes me gustó: tener la oportunidad de conocer gente nueva. Este trabajo es tan individualista que es necesario vincularse. Te das cuenta de que las problemáticas que vos tenés son las mismas que tienen los otros. Si no, te volvés muy endogámico, corrés el riesgo de que quede encerrado en tu universo solo.

–La he oído decir que en el diseño hay una búsqueda de invisibilidad, mientras que la ilustración lo que se busca es el desarrollo de una impronta propia. Desde ese vaivén… creó dos tipografías a las que llamó Lady René y Lady Dodó, ¿por qué eligió esos nombres?
–A la primera le puse el nombre de mi gata, Lady René. La segunda la terminé porque le debía a mi otra gata su tipografía, Lady Dodó.

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–Ahora bien, imagino que un astrónomo desea ponerle su nombre al cometa que descubre, como Halley. ¿Por qué no ponerle a alguna de las tipografías Varsky?
–Ni se me cruzó. Por un lado, me parece muy complicado. Toda mi vida deletreando mi apellido y diciendo cómo se escribía. Pero la verdad es que ni se me cruzó. La tipografía fue un proyecto más para mí. No sabía si a alguien le podía llegar a interesar, si alguien la iba a comprar o usar.
Yo di muchos años clase de tipografía, por lo que cuando comencé a dibujar, lo primero que me salía eran letras. Y a partir de ese trabajo más tipográfico-ilustrado fue que salió su necesidad. En ese momento yo ya estaba ilustrando, muchos de los trabajos de ilustración me los ofrecían por mi desarrollo de letras.

–Miro la Lady René y miro sus ilustraciones, se nota que nacen del mismo tronco. ¿Desde qué mirada se trabaja la creación de una tipografía o una ilustración?
–Lo que yo hago no es lettering ni caligrafía, porque ambas disciplinas tienen un trazo muy dominado que yo no puedo hacer. No tengo esa exactitud, esa cosa perfecta. Y tanto en la ilustración como en las tipografías me apoyé un poco en eso.
La identidad aparece en diferentes lugares. Y uno de esos lugares es lo que no nos sale. Yo sé que no me sale dibujar realista, ni sostener una caligrafía perfecta.
Y termina en una búsqueda. En lugar de buscar perfeccionar el trazo desde lo técnico, busco apropiarme de esta imperfección como lenguaje. También surge de los referentes. Hay algo del art nouveau que tiene que ver con esa forma, con esas líneas, que tiene que ver con las ilustraciones y las tipos –volviendo a las tipografías, les puse el nombre de mis gatos porque esos trazos me recuerdan a sus colas–.
Y en un punto, ese rasgo es el que me diferencia de otros.

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Los colores de la vida

–En el proceso de la ilustración, ¿en qué momento incorpora el color?
–Bastante tarde. En realidad, pienso la ilustración en blanco y negro. La cierro en blanco y negro y después agrego el color digitalmente. Armo una paleta de colores muy acotada que tiene que ver con una fotografía o alguna cosa que me llama y voy pintando zonas.
Y tal vez después incorporo otro color o modifico algo. Pero es muy sistemático.
Me doy cuenta de que ilustro como una diseñadora. Cómo planteo los objetivos, cómo hago el desarrollo, cómo coloreo, cómo construyo, tiene algo del proceso del diseño.
A veces tengo una ilustración que después quiero aplicar en otra cosa, en otro formato y lo que hago es como hacerle un cambio cromático. En la misma ilustración en blanco y negro vuelvo a hacer ese trabajo del color. Es muy divertido cómo una misma composición va tomando otro carácter.

–¿Qué característica tienen esas paletas? Si es que hubiera un lazo común.
Una vez la hija de una amiga estaba cursando las materias introductorias de la carrera de diseño y para hablar de colores complementarios mostraron una ilustración mía como ejemplo. Recién cuando me lo comentó me di cuenta de que siempre trabajo con colores complementarios en las paletas.

–El sistema siempre presente.
–Participar de La Noche de los Dibujantes me costó bastante porque tenía que partir siempre de una hoja en blanco, que no es mi forma de hacer. Soy muy sistemática y de construcción. De repente venía alguien y te pedía “Quiero un gato”. Y yo necesito verlo, planificarlo. No soy dibujante. Soy diseñadora. No tengo esa facilidad que tiene aquel que se maneja con el dibujo como expresión, como primer lenguaje.

¿Qué quedó en su identidad gráfica de la abuela rusa?
Hay cosas que aparecen y desaparecen, y que son como influencias muy obvias.
Hace unos años desarmamos el departamento de mis abuelos. Y, en vez de llevarme cosas, lo que hice fue fotografiar: las muñecas, los echarpes. Porque además es material de trabajo. Con ese objetivo. Como fuentes de recursos y de inspiración.
Pero pasa como con toda la historia de uno, hay cosas de las que te das cuenta más fácilmente y otras de las que te das cuenta cuando las volvés a ver. Pero de mi abuela lo que más me quedó, más que gráficamente, es lo de ser una mujer que trabajó hasta los setenta y pico de años, que iba todos los días a trabajar. Que era abuela y era mamá, pero era sobre todo una trabajadora. Y de mi vieja, lo mismo.
Más que con algo gráfico tiene que ver con dedicarme a lo que me gusta y hacerlo sin excusas. Ahora, a pesar de tener hijos y todo, mi trabajo sigue estando en el mismo lugar. Solo aparecieron cosas nuevas.

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Concurso internacional para jóvenes ilustradores

El Concurso Internacional de Jóvenes Dibujantes de Oro Pinwheel es un evento internacional organizado por la Feria del Libro Infantil de Shanghai (CCBF). El concurso está respaldado por múltiples asociaciones internacionales de ilustradores.

Una exposición de ilustraciones con los 50 finalistas de la competición tendrá lugar en Shanghai durante CCBF en el Centro de Exposiciones y Convenciones de la Exposición Mundial (SWEECC). También contará con el trabajo de los ganadores del Gran Premio del año pasado, Ye Luying y Fatemeh Nakhaei. Una de las características clave de la Feria Internacional del Libro Infantil de Shanghai, la exposición Golden Pinwheel, ha sido diseñada para dar a los ilustradores emergentes la oportunidad de ganar exposición comercial y formar parte de una red mundial que promueve el intercambio entre jóvenes artistas.

Proceso de evaluación

Fecha de cierre: hasta 31 de agosto de 2017
Primera ronda de evaluación: septiembre
Segunda ronda de evaluación: Primera quincena de octubre
Anuncio de los finalistas: mediados de octubre
Anuncio de los ganadores: finales de octubre

Premios

  • Las 50 obras de los finalistas serán presentadas en el escaparate de ilustraciones Golden Pinwheel durante CCBF 2017.
  • Todos los finalistas recibirán un diploma oficial de los organizadores que se puede descargar desde el sitio web.
  • Las obras de arte serán presentadas en el catálogo de ilustraciones Golden Pinwheel 2017.
  • Todos los finalistas tendrán acceso gratuito a los talleres y eventos relacionados con la ilustración durante la feria del libro.

Ver ganadores anterioreshttp://illustrators.ccbookfair.com/Views/newsdetail.aspx?id=2

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Más información en: http://illustrators.ccbookfair.com/Views/index.aspx
Contacto: POPO
Correo electrónico: popo@leewiart.com
Oficina Tel: + 86-010-87766914
Comité organizador: goldenpinwheel.ccbf@outlook.com

Dedicado al asombro

El proyecto Frida nació en el patio de la Casa Azul, cuando Lacombe quedó asombrado bajo la fuerza de Frida Kalho.

Dijo Lacombe: "Lo que para mí es importante es que el artista debe dedicarse plenamente a su obra. Es de ese proceso creativo y sus revanchas. Este libro lo que muestra es el artista, pero también cómo hacer con la vida de uno un universo."

Asombro. Esa es la palabra con la que se puede definir el trabajo de Benjamín Lacombe. Se trata de un hombre dedicado a generar asombro con libros impactantes. Como lo hemos hablado en su anterior visita a la Argentina, a través de sus libros acerca obras clásicas complejas a un público amplio. Lleva consigo un proyecto cultural donde el asombro deviene estrategia para el acceso de lectores de todas las latitudes al corpus cultural que lo impactó a él en su propia juventud.

Este proyecto es diferente, nació en el patio de una casa azul en México DF, bajo el impacto y el asombro del encuentro con la obra de Frida Kalho. Por eso este libro que ha presentando en las ferias del libro de Latinoamérica es tan importante: ¿cómo asombrar con Frida, después de Frida?

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El reencuentro

“¡Cuántas páginas que me dedicaron! ¡Ocho!”, dice mientras sostiene un ejemplar de Cultura LIJ #27 donde salió el primer reportaje. A su lado, Sebastien Perez hojea el número 39 de Cultura LIJ. Benjamín Lacombe lo hace parar en el reportaje a Nicolás Arispe al ver la tapa del libro La partida. “Ese libro es muy bueno. Lo vi en la Feria de Bogotá y lo compré, es excelente.” Coincidimos plenamente.

Hace tres años lo entrevisté por primera vez. En ese entonces presentaba dos ediciones especiales: Seda, la novela de Alessandro Baricco, y La Biblia. Reviso las fotografías de ese día y allí está: la cartuchera con la imagen de Frida. Seguramente ya estaba sumergido en el mundo de Frida, ya estaba trabajando en la búsqueda de su Frida interior.

Hasta ahora su obra tiene que ver mayormente con reinterpretar obras ficcionales. Pero Frida Kalho es un personaje real que se ha convertido en un símbolo de la identidad latinoamericana. Ustedes, ambos, debieron deconstruir ese símbolo para reconstruirlo en sus propios términos. ¿Cómo fue ese proceso?

(Sebastien Perez) —En mi caso no partí del símbolo. La primera vez que la descubro es cuando fuimos a la Casa Azul. Y fue en el patio de la Casa Azul donde Benjamín me propuso que hiciéramos este libro juntos. Pero no tenía una representación previa. Ella en Francia no es conocida, de su obra hay un conocimiento muy superficial. Por lo tanto, no partí del personaje, sino de la persona a la que conocí primero al recorrer su casa: el lugar donde nació, creció y murió. Tuve la suerte de conocerla desde su hogar, desde un lugar de lo íntimo. Y luego, cuando volví a Francia, la seguí conociendo a través de sus escritos, de su correspondencia, de sus diarios. O sea que no trabajé sobre su imagen o la persona que ella representaba.

(Benjamín Lacombe) —En mi caso conocía el ícono de Frida, su símbolo. Ya había hecho otros personajes históricos, como María Antonieta y Leonardo Da Vinci. No era la primera vez que trabajaba sobre un personaje real. Pero a diferencia de esos casos, esta vez tenía fotos y videos, y otros elementos objetivos donde poder observarla. Era más fácil para poder acercarme visualmente al personaje, para poder trabajar su rostro.
Lo más difícil para mí fue mostrar su pintura con mi propia voz. Para mí era muy importante poder hablar de su obra, pero sin perder mi propia voz. No quería hablar de ella desde los rótulos que conocemos. Quería hacer un trabajo que regresara al artista, que es lo fundamental. Quería enfocarme en el vínculo entre su sufrimiento corporal y su obra.

—En el libro han trabajado con referencias a las pinturas de Frida Kalho, pero también incorporando citas textuales de ella. ¿Cómo ha sido ese trabajo de recopilación e incorporación de la voz de Frida en el texto?

(SP) —Al principio no queríamos hacer una biografía clásica; Benjamín quería que diéramos cuenta del proceso creativo. En realidad me costó mucho empezar el texto, porque era una estructura totalmente diferente sobre la que tenía que apoyarme. Fue un proceso totalmente diferente a otros trabajos anteriores.
Normalmente partíamos de un texto. Pero esta vez, como queríamos dar cuenta del proceso creativo, que era un proceso visual, no sabía por dónde empezar. Fue necesario que Benjamín hiciera un esquema, un story board, de cómo iba a ser el libro para poder pensarlo a partir de las temáticas que definimos. Recién así pude trabajar, a partir de tener una idea de cómo sería este sistema de troquelados, de diferentes capas. A partir de ahí fue todo más sencillo.
Yo había leído todo lo de ella. Estaba totalmente inmerso de sus escritos. Y seleccionamos las frases que más tenían que ver con los temas de cada sección. Una vez que había extraído las citas, pude empezar a abordar e hilar en torno de esas citas. La sentía a ella proyectada dentro de mí.
Las comillas surgen como un recurso para que el público pueda entender qué texto es de ella y qué texto es mío.

(BL) —En mi caso, en el tratamiento de las citas pictóricas radicó la mayor dificultad.
El caso de El ciervo herido fue muy complejo, porque si sacaba un solo elemento, toda la estructura de la pintura se derrumbaba. Cada elemento cuenta. Por lo tanto, tuve que quedarme muy cerca del original. Es una estructura muy bien pensada, donde todo está relacionado con el número nueve: son nueve árboles, nueve con las flechas, nueve ramas del árbol caído. Y todo elemento cuenta: un árbol roto, tenemos la tempestad en el cielo de fondo, pero el mar calmo. Y el número nueve permanentemente que, para las culturas mayas y aztecas, representa el renacer de todo. Frida pinta este cuadro justo antes de una operación muy importante, después de la cual podía morir o curarse definitivamente. Por eso la tempestad y el mar calmo. Lo que hice fue cambiar la posición de Frida o la cantidad de orejas −de las cuatro del original solo dejé dos−. Retirar o modificar el número de árboles o de flechas sería traicionar el simbolismo que habita en ese cuadro. En otros casos pude hacer una composición que fuese más mía. La otra dificultad fue la paleta de colores muy alejada de mi tendencia natural.

Ver artículo Entre Frida y Lacombe, de esta misma edición. 

El arte y el artista

—En Frida el dolor y la muerte están presentes todo el tiempo, pero al mismo tiempo su obra está plenamente viva. Hoy vivimos en una época en que nuestras vidas están muy expuestas y la intimidad pierde valor. ¿Es necesario que el artista encarne su obra?

(BL) —Depende mucho, para mí un artista tiene un solo deber y es con su obra. No tiene poder de representación. El caso de Frida es muy particular porque ella todo lo que tocaba lo convertía en ella misma. Todos los objetos de su casa son ella misma. En su casa, en la casa azul, casi no hay cuadros de ella, sino objetos de su vida cotidiana intervenidos: sus zapatos, sus muñecas, sus corsés. Es Frida. Todo es Frida. Eso es válido para el caso de ella.

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Ver nota del Museo Casa Azul, en esta misma edición.

(BL) —Pero hay otros artistas cuya obra habla por sí sola y habla mucho de ellos. En el caso de Ron Muek, él no da ninguna interpretación, no va a ninguna de sus inauguraciones, no le interesa dar claves para la interpretación. Recuerdo que la Fundación Cartier realizó un video donde otros artistas venían a interpretar su obra. Y se escuchaban explicaciones brillantes y contrapuestas acerca de la misma obra. En eso radica la potencia del arte, en que no hay un manual de cómo hay que hacer las cosas, sino formas particulares de hacer.

(BL) —Otros artistas pueden ser muy difíciles de entender desde el punto de vista plástico, como Sophie Calle. Pero luego la obra toma sentido. Lo interesante es el proceso de preparación, pero luego la foto final que ella toma no es lo que más interesa, no el objeto, sino cómo piensa ella el proyecto.

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(BL) —Lo que para mí es importante es que el artista debe dedicarse plenamente a su obra. Es de ese proceso creativo y sus revanchas. Este libro lo que muestra es el artista, pero también cómo hacer con la vida de uno un universo. Y, en el caso de Frida, con su columna rota ella arma su universo. Y es de ese proceso creativo que este libro habla. Cómo el arte puede ser una forma de resiliencia.

Empujando el precipicio

Antes de arribar a la Feria del Libro de Guadalajara, donde será invitado destacado, André da Loba habla de su trabajo en exclusivo para la revista.

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Nacido en Portugal, André da Loba es un artista 360°: ilustrador, muralista, animador, diseñador de objetos, escultor y educador. En diciembre será distinguido en la Feria del Libro de Guadalajara por la calidad de su obra.


-Hemos visto en su sitio web que los contenidos de los libros aparecen en portugués, en castellano, en inglés, según las lenguas en las que han sido publicados. Y al observar lo amplio de su trabajo  
ilustración, fotografía es objetos, animaciones, escultura, murales, y más–, surge una pregunta: ¿en las artes visuales hay lenguas?
Un día oí la expresión: “Me gusta como piensas“. Eso marcó mucho mi idea de cómo funciona esto de las imágenes que suelen parecer mudas, pero no son. A mí me parece que en las artes visuales, más que todo, hay voz. Imagino la voz propia como algo basado en el idioma cultural y emocional de cada uno. Más cerca de tu manera de pensar que del sonido que hacemos cuando hablamos. Puedes tener un lenguaje más o menos universal, pero tendrás siempre el acento del sitio donde naciste. Por ejemplo, todo mi trabajo está condicionado por ser portugués, porque la estructura de mi lengua materna es muy poética, por haber crecido entre una montaña y el mar, por vivir en el campo, por conocer a un gigante, por no oír del oído derecho… Creo que esta lengua de que hablas está lejos del español, portugués, inglés, francés o japonés, es el compendio de tus geografías, físicas, mentales y espirituales.

-Sus ilustraciones tienen un trazo común, pero al mismo tiempo no se dejan encasillar: algunas derraman ternura, en otras gana el absurdo, otras son vanguardistas, etc. En un reportaje anterior comentaba respecto del libro Splash que “es un embate constante entre el pasado y el presente. Le llamamos “saudade” en Portugal“. ¿Cómo lo afecta esta saudade?
Siendo portugués está en mi ADN emocional sentir saudade. Echar de menos constantemente. La nostalgia en mi trabajo viene de este sentimiento. Y creo que estará presente en el trabajo de todos los autores portugueses.

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Da Loba combina curiosidad, experiencia y conocimiento. Y en todos sus trabajos estos talentos se pueden apreciar a simple lectura. Recientemente, junto al escritor argentino Rodolfo Castro, ha publicado una edición numerada de una nueva Caperucita Roja. La versión es de cariz diferente a otras, esta vez hace pie en la figura del cazador, como un hombre violento que mata a la abuela y viola y mata a la niña. Cuando al día siguiente vuelva al pueblo, inventará una historia de una niña ogro, una niña feroz.


-¿Por qué elegir Caperucita para versionar? ¿Qué sigue diciendo hoy este cuento?
Estamos en 2016, pero todavía las desigualdades de género siguen siendo enormes en todas partes del mundo. Siento que Caperucita Roja funciona como un cuento con una moraleja en todas sus versiones, desde Disney a Rodolfo Castro −con la Donzela Feroz que acabamos de publicar juntos−, sigue recordándonos sobre este tema. Desde la Caperucita heroica a la Caperucita víctima, creo que intentamos no olvidarnos que aún hay que resolver la igualdad entre seres humanos, animales y vegetales. Creo que nos empuja hasta el equilibrio iluminado del que tanto se habla en la filosofía.

-¿Qué debe tener un relato para que le interese ilustrarlo?
¡Ay! Son tan diferentes las cosas por las que me interesan que resulta difícil responderte de forma contundente. Creo que el libro que más disfruté es siempre el último… Siempre estoy empujando mi precipicio más adelante, o más alto.

-Por un lado, se ha dedicado a los libros para chicos por ejemplo, Los siete hermanos chinos; por otro lado, los trabajos que realiza para los periódicos y revistas deben sintetizar una mirada sobre el mundo y la actualidad. En medio de todo eso… Obscénica. ¿De qué forma lo condiciona el público a la hora de crear?
En mi trabajo todo surge de una manera poco planeada, sin obedecer mucho a la razón. Siento que es un dialogo constante y variado, como en mi rutina diaria en que me adapto a cada uno de mis interlocutores. Hablo para mi madre de manera diferente de cómo hablo con mi novia, de cómo hablo con la señora de la frutería, de cómo hablo para alguien que me pide direcciones, de cómo hablo contigo. En mi proceso creativo, estas conversaciones ganan vida en la fuerza de las imágenes, de cómo se relacionan y en lo que pueden significar para cada uno de nosotros. Soy un personaje en un enredo abstracto. Así fuerzo todas las fronteras, expando mi universo y me encuentro.

-¿Cómo imaginas a tu lector?
En movimiento.

-Y finalmente, Portugal viene sosteniendo una variedad de muy buenos ilustradores que cada vez se hacen ver más y más en todo el mundo. ¿A qué cree que se debe? ¿Cómo ha influido la creación del Premio Nacional de Ilustración hace veinte años?
Hoy en día llueven, como sapos, ilustradores buenísimos de todas partes. También el cambio de paradigma histórico en que la ilustración, o las iluminarias, vivían subyugadas al texto, para una idea de que la ilustración es compañera del texto, que se complementan y se aumentan mutuamente. Hoy en día, la ilustración es más intelectual que visual. Es reflexiva más que expositiva. Hace ya más de medio siglo que el mundo de la ilustración produce imágenes desafiantes, inteligentes y sofisticadas que proponen al lector más dimensiones de los textos que las acompañan. Creo que el resultado de todo esto e internet hacen que en el mundo y en Portugal broten ilustradores extraordinarios, capaces de hacernos levitar.
El premio ayudó mucho a empezar a divulgar esta ola de autores.

Para conocer más de André Da Loba: http://www.andredaloba.com/